Von Lisa McDowell

„Die Originals sind eindeutig die Besten! Die Prequels kann man vergessen!“ Diese Aussage bekommt man von vielen Star Wars Fans, wenn man sie fragt, welche Trilogie nun am besten ist. Doch wenn man sie fragt warum, dann kriegt man kaum eine gute Antwort mit schlüssigen Argumenten. Auch wollen viele die neue Trilogie nicht mal sehen, da „die Letzte schon schrecklich war und die Neue nur noch schlimmer werden kann!“ Ich will hier auf der Basis der Original Series, also „Eine Neue Hoffnung“ (1977; Abk. ENH), „Das Imperium Schlägt Zurück“ (1980; DISZ) und „Die Rückkehr Der Jedi-Ritter“ (1983; DRDJ), mögliche Argumente begründen warum die Prequels, also „Die Dunkle Bedrohung“ (1999; DDB), „Angriff Der Klonkrieger“ (2002; ADK) und „Die Rache Der Sith“ (2005; DRDS), kritisiert werden. Auch will ich hier einige positive Aspekte über die Prequels aufgreifen, die im Gegensatz zu den Originals stehen. Zusätzlich werde ich noch einige Punkte zu dem neuen Film „Das Erwachen Der Macht“ nennen.

Die Prequels haben eindeutig ihre Schwächen. Die Originals haben zwar, vom heutigen Standard her, nicht unbedingt eine gute Qualität, doch ihre extreme Geschichte und Handlung sind die Grundbausteine der Filme. Damals waren die benutzten Effekte ungewöhnlich und außerordentlich. ENH ist zum Beispiel der erste Film, der mit Surround-Sound, also wenn der Ton von allem Seiten kommt, veröffentlich wurde. Bei den Prequels hingegen ist die Handlung nicht stark ausgeprägt. CGI (Computer-Generated-Image; Animation) und SFX (Spezial Effekte) scheinen eher im Vordergrund zu stehen. Dieses extreme Animieren war zwar auch neu, doch zum Teil überwiegt es alles andere. Viele, die die Prequels sehen, erinnern sich eher an die epischen Weltraum- und Lichtschwertkämpfe als an die Handlung. Die Gefühlstiefe der Originals, scheint vergessen und einfach durch CGI ersetzt zu sein.

Insgesamt scheinen die Bilder in den Prequels manchmal etwas sehr weit hergeholt und einfach unrealistisch zu sein. Mit ihren unglaublichen Sets und Requisiten, sehen die Originals eigentlich immer echt aus. An manchen Stellen, wie zum Beispiel einige der Weltraumszenen, mag der Hintergrund etwas getrickst erscheinen, doch er ist immer noch realistisch, wohingegen in den Prequels es an einigen Stellen deutlich herauskommt, dass keine Sets gebaut wurden, sondern dass man sich pur auf Animationen verlassen hat. Alle Weltraumschlachten mussten in den Prequels mit Modellen und gezeichneten Hintergründen gefilmt werden. Dies hat Sachlachten für jeden gut übersichtlich gemacht. Auf der anderen Seite hat es die Animation in den Prequels ermöglicht, zum Teil hunderte Schiffe auf einmal im Bild erscheinen zu lassen, von denen man jedoch nicht mehr weiß zu welcher Seite sie gehören. In diesem großen Wirrwarr verliert man schnell die Übersicht über die Schlacht. Auch an anderen Stellen ist es eindeutig, dass animiert worden ist, wo es nicht unbedingt notwendig war. Ein animierter Yoda sieht eben nicht so realistisch aus wie die Puppe aus den Originals.

Außerdem ist die Handlung der Prequels selber an Stellen unverständlich und die Kontinuität zwischen den zwei Trilogien hängt teilweise nicht zusammen. Wer in den 70ern, oder auch einfach so, die Originals vor den Prequels gesehen hat, hat vor allem eins von den neuen drei Teilen erwartet. Der tragische Fall Darth Vaders zur dunklen Seite. Die Originals zeigten die Erlösung Vaders. Selten hat ein Bösewicht das Bewusstsein der Menschen so durchbrochen. Nicht nur sein Kostüm und seine unglaubliche Stimme, sondern vor allem die Hintergrundgeschichte Vaders haben ihn zu einer fast mythologischen Figur gemacht. Darth Vader war einst ein großartiger Mann, der einen tragischen Fall zur dunklen Seite durchlebte. Herausgekommen ist eine Verschmelzung von Mann und Maschine, die dem Bösen vollkommen erlegen ist. Diese Geschichte ist, was viele von den Prequels erwartet haben. DDB war eigentlich ziemlich neutral, indem es die Vorgeschichte Vaders aufgestellt hat, doch in ADK wird dieser großartige Mann nicht wirklich als „großartig“ dargestellt. Stattdessen wird Anakin Skywalker gezeigt, der zwar auf seine eigene Weise großartig ist, doch eine Enttäuschung für viele Zuschauer darstellt. Mit seiner Eigennützigkeit und Arroganz ist er eigentlich nur nervig. Der großartige Mann, den viele vielleicht erwartet haben, erscheint nicht.

In den Originals werden die Jedi Ritter als eine mysteriöse Gruppe dargestellt, die für Frieden und Gerechtigkeit kämpft, bis Darth Vader und das Imperium sie so gut wie auslöschen. Ihre Geschichte hat eine fast genauso mythologische Stellung, wie die von Vader. Es ist in den Originals extrem wenig über sie bekannt. Sie scheinen in der Galaxie eine Legende zu sein, außer für einige Wenige, die sie persönlich kannten oder sie in den Kriegen in Aktion gesehen haben. In den Prequels hingegen ist der Jedi Orden eine große Organisation, die sich aus mehreren hundert Mitgliedern zusammensetzt. Der Orden scheint in der gesamten Galaxie ziemlich gut bekannt und respektiert zu sein, mit Ausnahme einiger abgelegenen Planeten. Sie sind politisch extrem einflussreich und werden durch die gesamte Galaxie als Diplomaten, Boten, Beschützer etc. eingesetzt. Es mag zwar verständlich sein, dass eine Organisation, die fast komplett ausgelöscht wurde, irgendwann nur noch in Geschichten existiert, doch zwischen DRDS und ENH vergehen 19 Jahre. Diese kurze Zeit sollte eigentlich nicht genügen, dass die Jedi so sehr in Vergessenheit geraten. Auch wenn Krieg geherrscht hat, es sollten genügend Leute überlebt haben, so dass die Jedi als historische Gruppe bezeichnet werden könnten und nicht als Legenden, wie sie in den Originals dargestellt werden.

Die Handlung selber ist in den Prequels stellenweise schwer zu verstehen oder nicht nachvollziehbar. DDB kann anfangs ziemlich unverständlich wirken, da die gesamte politische Situation erst nach und nach während der Filme deutlich wird. Die erste Szene in DDB ist ohne weitere Hintergrundinfos eigentlich unmöglich zu verstehen, da die Gründe für die momentane Situation nicht genannt werden. Auch die Liebesgeschichte zwischen Anakin Skywalker und Padmé Amidala scheint erzwungen zu sein. Es ist von Anfang an vielleicht klar, dass sie sich verlieben werden, doch vor allem im Dialog von ADK wird klar, dass die Umsetzung dieser Liebe nicht wirklich gelungen ist. Zusätzlich hat Obi-Wan Kenobi in den Prequels die Angewohnheit ab und zu den Charakter zu wechseln. In den Originals wird er extrem weise dargestellt, doch in den Prequels scheint sich sein Charakter, vor allem in ADK und DRDS, von einem Moment auf den anderen von weise zu fast waghalsig zu ändern.

Die generelle Qualität der Filme lässt an Stellen auch zu wünschen übrig. Die Schauspieler in den Prequels können nicht immer mit den in den Originals mithalten. Hayden Christensen macht zwar einen ziemlich guten Job, den Fall seines Charakters zur dunklen Seite darzustellen, doch an vielen Stellen schafft er es nicht, die Gefühlstiefe und durchgewühlten Emotionen, die zum Teil auch in den Originals von seinem Charakter gezeigt werden, auszudrücken und dem Publikum zu übermitteln. Die an Stellen schlechten Dialoge lassen manche Szenen, wie zum Beispiel das Gespräch zwischen Anakin und Padmé aus Naboo in ADK, unnatürlich wirken.

Wer bei ADK und DRDS einen Unterschied in der Bildqualität gemerkt hat, lag nicht falsch. Die Originals sowie DDB wurden auf 35mm Film gedreht, während die Weiteren vollkommen digital produziert wurden. Dies lässt, hauptsächlich auf der großen Leinwand, eine bessere Qualität zu. Neue Ressourcen, wie eben das Animieren oder neue Soundsysteme, wurden teilweise einfach zu viel und nicht vorsichtig genug verwendet.

Die Originals haben einen extrem hohen Standard für alle weiteren Filme gesetzt. Die Prequels haben versucht diesen zu treffen und sind daran gescheitert. Dennoch sind sie nicht nur durchgängig misslungen, sie haben auch ihre guten Seiten. Die oben genannten Punkte können zum Teil einfach umgedreht und als Pro-Argumente für die Prequels benutzt werden. Genau das, was einem in Erinnerung bleibt, nämlich die epischen Lichtschwertkämpfe und Weltraumschlachten, sind in ihrem gesamten einfach unglaublich. Zusätzlich unterstützen sie auch die Tatsache, dass die Republik und die Jedi ihre besten Jahre durchlebt haben. Die Animation ist das Gerüst, das diese Kämpfe und Schlachten trägt.

In den Originals sehen wir nur einen kleinen Teil einer riesigen Galaxie. Die Prequels zeigen uns mehr von dieser und erweitern unsere Vorstellung mit neuen Planeten und Wesen. Auch bauen sie die Planeten mehr auf. Ganze Handlungsstränge spielen sich auf und auch wegen bestimmten Planeten ab. Außerdem werden die wirklichen Lebensbedingungen der Menschen, die zwar nichts mit der Handlung zu tun haben, besser dargestellt. So wirkt die erschaffene Welt realistischer, als in den Originals.

In den Prequels besteht keine klare Grenze zwischen Gut und Böse. Da Anakin anfangs gut ist und anschließend zur dunklen Seite fällt, muss man sich nicht unbedingt für eine Seite entscheiden. Dies gibt dem Zuschauer mehr Optionen sich zu entscheiden, für wen sie sein wollen.

Ein weiterer guter Punkt ist, dass es mehr Bösewichte gibt. Mit Darth Maul in DDB, Count Dooku in ADK, General Grievous in DRDS und Darth Sidious, der alle verbindet, ist das Böse in den Prequels viel weitrangiger als in den Originals. Dies unterstützt auch die Handlung, indem es zeigt, wie stark das Imperium wirklich ist.

Das eigentlich Beste an den Filmen ist die neue Musik. Die von John Williams komponierten Stücke für die Prequels passen mit ihren Szenen überein und fügen Emotion hinzu. Eine der besten Szenen aller Filme ist in DDB, als die Hauptfiguren Darth Maul stellen. Die ausdrucksstarken Emotionen, die in dieser Szene stecken, kommen hauptsächlich von der Musik, die perfekt zur Szene passt.

Das Star Wars Universum basiert auf eine ganze Reihe ikonischer Charaktere, wie Darth Vader, Yoda, Han Solo etc. In den Prequels werden viele neue Charaktere hinzugefügt, die diese Reihe erweitern, wie Mace Windu, Darth Maul, General Grievous etc. Diese Charaktere sind genauso ein wichtiger Teil des Star Wars Universums wie die in den Originals.

Das ausschlaggebendste Argument, weshalb die Filme gelungen sind, ist, dass sie existieren. Sie sind die Wurzeln der Saga. Diese Filme zeigen die Ereignisse, die zu der Situation in den Originals führem. Der Fall Anakins zur dunklen Seite, das Auslöschen der Jedi und der Untergang der Republik. Ohne diese Filme währen diese Dinge für uns nur kurze Erwähnungen und Andeutungen. Auch, dass man sich die Mühe gemacht hat, weitere drei Filme zu produzieren, ist lobenswert. Die Filme gibt es und dies sollte man aus Respekt für die viele Arbeit, die dahinter steckt, in Erinnerung behalten.

Im Endeffekt muss sich jeder selbst entscheiden, ob er die Prequels mag oder nicht. Ich selber finde sie als Filme ganz gut, doch ich kann leicht verstehen, dass sie als Anfang der Saga etwas enttäuschend sind. Auch respektiere ich, dass man sie überhaupt gemacht hat und will deshalb genauso der neuen Trilogie eine Chance geben.

Der erste dieser, „Das Erwachen der Macht“, kommt 17. Dezember dieses Jahres in die Kinos. Der neuste Film der Saga spielt in etwa 30 Jahre nach DRDJ und basiert nicht auf vorher publizierte Bücher oder sonstige Medien. Während alte Charaktere wie Luke Skywalker, Han Solo, Leia Organa, Chewbacca, R2-D2 und C3PO zurückkehren, kommen einige neue hinzu, von denen wir nicht viel wissen. John Boyega, Daisy Ridley uns Oscar Isaac sind nur drei der Schauspieler, die uns in diesem Film begegnen werden. Zusätzlich ist es bekannt, dass Andy Serkis, eine Rolle spielt. Der ungewöhnliche Schauspieler ist hauptsächlich für seine Rolle als Gollum in der „Herr der Ringe“ und „Hobbit“ Trilogie und seine Rolle als King Kong in „King Kong“ (2005) bekannt. Es ist bestätigt, dass er den Erzähler im ersten Teaser Trailer spricht, während Mark Hamill im zweiten Teaser die Rolle des Sprechers übernimmt. Der Film wird, wie die Originals und DDB auch, auf 35mm Film gedreht und Teile zusätzlich auf 65mm IMAX Format. Anstatt George Lukas hat J.J. Abrams den Regisseur Stuhl besetzt. Mit seiner unglaublichen Arbeit an den Filmen „Star Trek“ (2009) und „Star Trek Into Darkness“ (2013) kann man darauf hoffen, dass die neue Trilogie gut wird. Zusätzlich ist in einer seiner Ansagen im Hintergrund ein unbekanntes Wesen zu sehen, dass davon zeugt, dass die Produktion mehr auf traditionelle Mittel, wie Sets und Requisiten zurückgreifen will. Einige (geleakte) Set Fotos bezeugen dies. Man sollte diesen Filmen eine Chance geben, da extrem viel Arbeit hinter so einer Produktion steckt und es einfach eine Erweiterung einer unglaublichen Geschichte ist.

Wir wohnen in einer freien Welt, also ist meine Empfehlung, die Filme einmal anzuschauen und sich dann selber entscheiden, ob man sie mag.

Möge die Macht mit euch sein.

Bild: Wikimedia Commons, Little Ani

von Michelle Braun

Diesen Satz hat doch jeder von uns schon einmal gehört. Auch, wenn der vermutlich größte und wichtigste Filmpreis der Welt nicht überall in Deutschland zu den Topthemen zu Jahresbeginn gehört, so können vor allem die US-Amerikaner, insbesondere die Hollywood-Stars den Tag der zeremoniellen Verleihung kaum abwarten.

Wenn sich RTL, Pro7 und Co. den Kopf darüber zerbrechen, wer wohl den atemberaubendsten oder den skandalösesten Auftritt des Abends hingelegt hat, stellt sich keiner die Frage, von wo und wann die berühmt berüchtigte Oscar-Verleihung überhaupt stammt.

Seinen Ursprung hat das Event Ende der 1920er beziehungsweise Anfang der 1930er Jahre, als die US-Filmindustrie in der Krise steckte. Vor allem durch die Erfindung des Radios, und der Lohnerhöhung für Mitarbeiter verlief die Arbeit in diversen Studios schleppend. Daraufhin traf sich der Präsident Louis B. Mayer der MGM-Studios (Metro-Goldwyn-Mayer-Studios)  am 11. Januar 1927 mit über 33 Filmgrößen, um über eine Lösung dieses Problems zu diskutieren. Man wollte eine Akademie erschaffen, die die große Kunst des Filmemachens verkörpert und einen zentralen Bündelpunkt aller Interessen der Filmschaffenden darstellt und organisiert. Das war die Geburtsstunde der Academy of Motion Picture Arts and Sciences, deren Gründung, unter anderem von Größen wie den Warner Brothers, noch am selben Tag amtlich gemacht wurde.

Schon zwei Jahre später, ca. acht Jahre nach der Vergabe des weltweit ersten Filmpreises, des Photoplay Awards, kam es zu der ersten Oscar-Verleihung, damals noch unter Namen Academy Award. Bei dieser am 16. Mai 1929 stattfindenden Veranstaltung durfte der Schauspieler Emil Jannings als bisher einziger Deutscher den Preis für den besten Hauptdarsteller im Hollywood Roosevelt Hotel von Präsident Mayer entgegennehmen. Dieses zu Beginn noch sehr kleine und eher unbedeutende Event, zog erst im Laufe der Jahre immer mehr Aufmerksamkeit auf sich. So kam es 1953 zur ersten TV-Übertragung, welche heutzutage von rund 800 Millionen Menschen auf der ganzen Welt verfolgt wird und damit zu einem der meist gesehensten Ausstrahlungsformate überhaupt gehört. Auch sonst hat sich die Akademie erheblich vergrößert. Aus den ursprünglich wenigen, aber wichtigsten Nominierungskategorien wie Bester Film, Bester Hauptdarsteller/in und Beste Regie entstanden bis heute über 30 unterschiedliche Kategorien. Über die jeweiligen Gewinner entscheiden die über 5500 Mitglieder der Akademie in zwei streng geregelten Wahlgängen. Der nur 34,29cm große und mit dünnem 24-karätigem Gold überzogene Ritter mit Schwert trägt seinen Spitznamen Oscar offiziell seit 1931, da die damalige Vorstandssekretärin der Akademie, Margaret Herrick, beim Anblick der Statue: „Der sieht ja aus wie mein Onkel Oscar!“ gesagt haben soll. Der Preis gilt als die wichtigste und höchstangesehenste Auszeichnung, die ein Schauspieler im Laufe seiner Karriere erhalten kann. Seit 1950 ist sogar rechtlich vorgeschrieben, dass die Statue weder vom Gewinner selbst, noch von seinen Erben jemals verkauft oder versteigert werden darf. Der Film „Vom Winde verweht“ von 1939 war jahrelang mit zehn Oscars der Anführer der Oscartopliste, wurde jedoch im Jahre 1960 vom Film „Ben Hur“ mit elf Oscars abgelöst. Auch „Titanic“ (1998) und „Herr der Ringe: Die Rückkehr des Königs“ (2004) gehören mit ebenfalls elf Oscars zu den besten Filmen aller Zeiten. Als einzelne Persönlichkeit wurde Walt Disney am häufigsten mit insgesamt 26 Oscars, davon 4 Ehrenoscars und 37 weiteren Nominierungen ausgezeichnet.

Die diesjährigen Oscarverleihungen des 22. Februar boten überraschend wenig Überraschungen. Bis auf einen Auftritt des Moderators in Unterwäsche  und Socken gab es kaum nenneswerte Skandale oder Fehltritte der Promis und dieser war wohl weniger ein modisches Statement,  als eine Anspielung auf den großen Abräumer des Abends, Birdman. Der Film, das satirische Portrait eines Ex-Superhelden-Darstellers, von Regisseur Alejandro G. Inárritu wurde mit gleich vier Oscars ausgezeichnet, darunter die Kategorien bester Film, beste Regie und beste Kamera. Eher für seine visuellen Aspekte wurde Wes Andersons Film Grand Budapest Hotel ausgezeichnet, der die Oscars für das beste Make-Up, Kostümdesign, Szenenbild und den besten Soundtrack erhielt. Die Oscars für die/den beste/n Hauptdarsteller/in  gingen an Julianne Moore (Still Alice) und Eddie Redmayne (Die Entdeckung der Unendlichkeit). Doch selbst die Nominierten, die ihren Kamin jetzt nicht mit einem der schicken Goldonkels schmücken dürfen, gingen nicht leer aus, sondern erhielten Geschenktüten im Wert von 125.000 Dollar.

Da die Skandale dieses Jahr ausblieben, wird der Wirbel um das kleine goldene Männchen wohl eher schnell verfliegen, während der  Klatschpresse nichts übrig bleibt, als zur Abwechslung mal über den gelungensten Auftritt des Abends zu fachsimpeln, bis es dann im nächsten Jahr wieder heißt: “And the Oscar goes to…”

Bildquelle:  Prayitno, www.flickr.com,  Oscar statuettes, Hollywood, California, 17.04.2010 

von Lisa S. Greiner

Die deutsche Ausgabe des Buchs „Gebannt unter fremdem Himmel“ erschien erstmals 2012. In Amerika wurde sie jedoch unter dem Namen „Under the Never Sky“ verkauft. Die brasilianische Autorin Veronica Rossi wurde zwar in Rio de Janeiro geboren, verbrachte jedoch den Großteil ihres Lebens in den Vereinigten Staaten. Sie schreibt überwiegend futuristische Fantasy und Science Fiction-Romane. „Gebannt“ ist der erste Teil der romantischen Trilogie um ein Mädchen, das Zeit ihres Lebens in hochmoderner Umgebung gelebt hat, und einen Jungen, der in jeder Minute seines Lebens um seine Existenz kämpfen muss. Wenn ihr jetzt noch nicht neugierig geworden seid, dann gebe ich euch hiermit einen kleinen Einblick in die ungewöhnliche Beziehung zwischen Aria und Peregrine und in die mitreißende Welt der Zukunft:

Aria lebt seit sie denken kann unter der schützenden Kapsel der Siedler namens Reverie, die sie vor den lebensgefährlichen Ätherstürmen schützt. Die Menschen, die in der sogenannten Biosphäre untergebracht worden sind, werden von den Ausgeschlossenen „Siedler“ genannt. Dort führt Aria ein Leben weitab von Leid, Schmerz oder Trauer. Doch als sie plötzlich beschuldigt wird, einen der Außenstehenden in die Biosphäre geschmuggelt zu haben, verändert sich ihr ganzes Leben. Kurzerhand wird sie von der Oberschicht in die lebensbedrohliche Außenwelt verbannt. Mir nichts dir nichts wird ihr gesamtes Leben auf den Kopf gestellt. Sie hat in knapp einer halben Stunde alles verloren, was ihr lieb war. Ihre Mutter, Heimat, Zukunft und ihre beste Freundin, die bei dem Einbruch ums Leben kam. Ohne einen Sinn darin zu sehen, weiter zu leben, wandert Aria orientierungslos durch die Wüste. Eines Tages begegnet sie dem wilden, abstoßenden Außenstehenden, der angeblich durch ihre Hilfe in die Kuppel eingedrungen sein soll. Sein Name ist Peregrine und er lebt mit einem kleinen Stamm in der Nähe von Reverie. Durch einen Handel versuchen sie, Aria wieder sicher nach Reverie zu bringen. Mit der Zeit kommen sie sich immer näher und was am Anfang abstoßend wirkte, zieht sie jetzt nur umso mehr an. Die Sorge um die, die sie lieben verbindet und eint sie. Zwischen ihnen entwickelt sich eine unglaubliche Liebe, die sogar verschiedene Welten überbrückt. Alles scheint perfekt, doch Peregrine weiß, dass ihre Liebe niemals wird sein dürfen, denn sein Stamm wird eine Siedlerin niemals akzeptieren. Peregrine wird sich früher oder später entscheiden müssen. Aria – oder seine Heimat, seine Familie. Perry hat mit weiteren schwerwiegenden Problemen zu kämpfen. Sein Stamm leidet immer mehr unter den schrecklichen Stürmen und wird wahrscheinlich nicht mehr lange unter freiem Himmel überleben können. Sie werden ihre Heimat verlassen und einen sicheren Ort suchen müssen. So beginnt für die unterschiedlichen Verbündeten ein Wettlauf gegen die Zeit. Werden sie das Schicksal, das es ihnen und ihrer Liebe scheinbar äußerst schwer machen will, zurückschlagen? Kann Perry sich und seinen Stamm retten?

Wenn euch diese Fragen auch schon beschäftigen, dann lest das Buch! Es ist nur zu empfehlen, da die dramatische Entwicklung zwischen den beiden sie immer weiter voneinander zu trennen scheint und es bis zum Schluss immer verzwickter wird. Bis zum Ende ist das Buch zum Zerreißen spannend.

Nächstes Mal werde ich das Buch „Die Bestimmung“ vorstellen. Wenn euch das Gelesene gefallen hat, könnt ihr euch auf meinen nächsten Artikel pünktlich zum Ende des Monats freuen.

Bildquelle: C. Löser über Wikimedia Commons

Heute stelle ich euch den ersten Teil der romantischen Trilogie „Liebe geht durch alle Zeiten“ vor. Sein Titel lautet “Rubinrot”. Er wurde bereits 2013 von Regisseur Felix Fuchssteiner in München gedreht. Der Film wurde nach dem geichnamigen Buch von Kerstin Gier verfilmt und kam noch im selben Jahr des Drehs auch prompt ins Kino. Die Hauptrollen wurden von Maria Ehrich (Gwendolyn Shepherd) und Jannis Niewöhner (Gideon de Villier) wie in nur wenigen anderen Filmen umgesetzt. Der gesamte Film hat eine Dauer von 112 min und ist ab FSK 12 freigegeben. Um euch nun den Film schmackhaft zu machen, hier ein kleiner Einblick in die Geschehnisse:

Die 16-Jährige Gwendolyn wird in ihrer Familie als totaler Trottel und schwarzes Schaf angesehen. Ihre gleichaltrige Cousine Charlotte benimmt sich ihr gegenüber am schlimmsten. Sie hält sich für etwas ganz Besonderes. Nun ja, eigentlich ist sie das auch. Denn angeblich hat sie ein mysteriöses „Zeitreise-Gen“ geerbt, das seit Generationen in ihrer Familie weitergegeben wird. Zumindest dachten das alle. Bis Gwendolyn plötzlich an ihrem 16. Geburtstag ihren ersten Zeitsprung macht. Ihre Freundin Leslie erkennt als erstes, dass nicht Charlotte das Gen geerbt hat, sondern Gwendolyn.

Das verändert ihr Leben von Grund auf. Als ihre Mutter von den unkontrollierten Zeitsprüngen erfährt, schleift sie Gwen sofort zu der sogenannten Loge des Grafen von Saint German. Dort wurde Charlotte seit vielen Jahren auf ihre spezielle Rolle vorbereitet. Als die Mitglieder der Loge erfahren, dass sie jahrelang das falsche Mädchen unterrichtet haben, wird Gwendolyn sofort einer gründlichen Überprüfung unterzogen. Nachdem nun endlich ihre Identität als Zeitreisende bewiesen ist, wird sie in die Geheimnisse der Loge eingeweiht. Dort wird ihr Blut in einen seltsamen Apparat eingelesen, der von den Mitgliedern der Loge „Chronograph“ genannt wird. Sie erfährt, dass es insgesamt 12 Zeitreisende gab und jeder von ihnen einem Edelstein zugeordnet ist. Sie stellt den Rubin dar. Unter anderem wird sie ihrem neuen Zeitreise-Partner Gideon vorgestellt, den sie jedoch schon einmal auf der Geburtstagsfeier ihrer Cousine kennengelernt hat und prompt einer unbeabsichtigten Champagner-Dusche unterzogen hat. Demnach missbilligend begegnet er ihr in den ersten Tagen ihrer neuen Bestimmung. Gideon versucht seit Jahren das Blut aller Genträger in dem Chronographen zu vereinen. Dadurch würde eine geheimnisvolle Macht freigesetzt, die der Graf von Saint German unter Hilfe der Loge für sich will. Ohne dieses Wissen arbeitet Gideon ahnungslos für die Loge. Er und Gwen müssen ein Mal pro Tag mit dem Chronographen in die Vergangenheit reisen, um keine überraschenden Zeitsprünge zu riskieren. Als Gwen bei einer dieser Zeitreisen Gideons Leben rettet ändern sich ihre Gefühle füreinander schlagartig. Plötzlich muss Gideon sich zwischen Gwendolyn und der Loge, die sozusagen seine Familie darstellt, entscheiden. Und die Schlinge um Gwens Hals, die der Graf legt, zieht sich immer weiter zu. Werden sie sich zusammen gegen den Grafen wenden oder wird Gideon zu der Loge stehen und so dem Grafen zu unbegrenzter Macht verhelfen? Wenn euch das Ende des Films interessiert, dann seht ihn euch an und erfahrt wie Gwendolyn und Gideon diese verzwickte Situation meistern.

Meiner Meinung nach ist der Film absolut einzigartig. Durch die unglaublichen Schauspielkünste von Jannis Niewöhner und Maria Ehrich und durch die tollen Ideen von Kerstin Gier war es möglich so einen wunderbaren Film zu drehen. Da der Film jedoch trotz seiner herausragenden Qualität nicht allen Leuten bekannt ist, wollte ich ihn euch heute etwas näher bringen. Vielleicht gibt es ab heute ein paar mehr Fans der Edelstein-Trilogie.

Wenn euch gefallen hat, was ihr gelesen habt, dann freut euch auf meine nächste monatliche Filmbewertung. Bis dann!

Bildquelle: Michael Schilling über Wikimedia Commons

David Quammen bringt mit seinem Buch „Der Gesang des Dodo – Eine Reise durch die Evolution der Inselwelten“ einen neuen Bereich der Bücherwelt in die Bücherläden. Das 1996 geschriebene und erstmals 1998 in deutscher Sprache erschienene Buch (erst Claassen Verlag, später Econ Ullstein List Verlag GmbH & Co. KG) ist weder ein Sachbuch im eigentlichen Sinne, noch ein Roman. Trotzdem wird das mit dem Lannan Literary Award, einem der wichtigsten Literaturpreise der Welt, ausgezeichnete Buch zu Ersterem gezählt. Die Mischung aus der geschichtlichen Entwicklung der Evolutionstheorien, der Reise des Autors David Quammens und dem fast fiktional erscheinenden Wiederbeleben von teils unbekannten Tieren geben dem Buch seine eigene Note und einen ganz besonderen Stil. Man kann sogar sagen, dass das Buch mit einem spannenden Thriller von Dan Brown mithalten könnte, wenn der Leser sich auf das Abenteuer der Reise in eine andere Welt einlässt, Zoos nicht als kleinere „natürliche Umwelten“ sieht – wem kommt da nicht das Interview mit dem Leiter der Stuttgarter Wilhelma bezüglich des neuen Affengeheges in den Sinn – und ein wenig Interesse für die Natur oder Biologie bereit hat.

David Quammen, ein amerikanischer Schriftsteller und Sachbuchautor, schrieb mehrmals für den NATIONAL GEOGRAPHIC und weitere Sachbücher sowie Romane, denen des Öfteren Auszeichnungen verliehen wurden. Der Durchbruch gelang ihm jedoch mit seinem Werk Der Gesang des Dodo. Mit Humor – wer vergleicht schon den Hype um die Gentechnik mit Entengrütze, die wie in einem warmen Tümpel gedieh? – erzählt er  über die Kuriositäten des Menschen, den Forscherdrang verbunden mit dem Ausrotten von Tieren und die verschiedensten Phänomene und Wunder der Natur.

Das Buch handelt von der Problematik der Entdeckung bzw. der Veröffentlichung der beiden Evolutionstheoretiker Charles Darwin und Alfred Russel Wallace, welche zeitgleich dieselbe Theorie, heute als Darwinistische Evolutionstheorie bekannt, 15.000km entfernt und unabhängig voneinander aufstellten, jedoch außer ihrem Interesse an der Natur und derselben Muttersprache keine Gemeinsamkeiten aufwiesen. Darüber hinaus zeigt Quammen durch die detaillierte Schilderung des Artensterbens, warum die heutige Lage so ist, wie sie ist. Er warnt eindringlich und direkt vor dem vermehrten Aussterben der Tiere durch den menschlichen Egoismus („Obwohl die Seychellen erst 1778 zum Standort für eine dauerhafte Niederlassung wurden, waren bereits Ende des 18. Jahrhunderts Schildkröten das wichtigste Exportartikel der Kolonie. G.Gigantea erwiess sich als ebenso wohlschmeckend wie die Maskarenart.“). Ferner geht er romanartig auf die Entdeckungsreisen der damaligen Zeit, die entstehenden Konflikte durch Wissenschaft, Religion und dem menschlichen Gewissen ein. Gute Recherchen und längst in Vergessenheit geratene Personen und Tiere werden zum Leben erweckt und ziehen den Leser vollkommen in den Bann der damaligen Zeit. Quammens Stil fesselt nicht nur, vielmehr beschreibt er seine Handlung mit einer angemessenen Balance zwischen Wissenschaft und Fiktion. Beispielweise kann man hier den gelungenen Anfang des Buches zitieren: “Fangen wir in den eigenen vier Wänden an. Stellen wir uns als erstes einen schönen persischen Teppich nebst einem Jagdmesser vor. Sagen wir, der Teppich ist 4.00 mal 5.50 Meter groß. Das bedeutet eine Fläche von 22 Quadratmetern Webstoff. Ist das Messer scharf wie eine Rasierklinge? Falls nicht, wird es geschliffen. Wir zerschneiden nun den Teppich in sechsunddreißig gleich große Stücke, lauter Rechtecke von 1.00 mal 0.61 Metern Fläche. Die zerreißende Textur gibt kleine gequälte Geräusche von sich, die wie der unterdrückte Aufschrei entsetzter persischer Weber klingen. Aber was gehen uns die Weber an? Wenn wir mit dem Schneiden fertig sind, messen wir die einzelnen Stücke aus, zählen alles zusammen – und stellen fest, wir haben, bitte schön, nach wie vor rund 22 Quadratmeter erkennbar teppichartigen Stoff. Aber was heißt das? Nennen wir jetzt etwa sechsunddreißig hübsche persische Bettvorleger unser eigen? Nein. Wir haben nichts weiter als drei Dutzend ausgefranste wertlose Bruchstücke, die dabei sind, sich aufzudröseln…” Die anfangs dargestellte Traumwelt wird zum Grauen – wer möchte denn schon 36 nutzlose Stofffetzen haben? So wird auch die anfangs beschriebene pflanzliche und tierische Vielfalt ziemlich schnell durch das Auftauchen des Menschen ausgerottet, dass man sich schon fast für unsere Vorfahren, sei es aus gutem Willen, Neugier, Leichtsinn, Habgier oder Ignoranz der Inselerkundenden und Abenteuerreisenden, schämt. Seine Beschreibungen, warum ein Elefant in Afrika lebt und nicht in Deutschland sein Revier aufgeschlagen hat, wie er über lange Wasserstrecken auf andere Inseln schwimmt und warum es nicht nur einen Vogel, sondern eine ganze Menge verschiedenster Vogelarten durch die Evolution gibt, sind nachvollziehbar und sehr schön ausgearbeitet. Selbst „alte Bekannte“ – zu nennen wären hier James Cook oder Charles Darwin, wie auch „neue Freunde“, Alfred Russel Wallace oder seine Begleiter –  sind Gegenstand Quammens Darstellung. Ebenso werden Personen aus vergangenen Zeiten wiederbelebt – man erwähne nur die beiden Biologen Moritz Wagner oder Ernst Mayr –  darüber hinaus  Tiere, deren Existenz man nie vermutet hätte, wie wahre Drachen oder Vögel, die fluguntauglich sind und eine halbe Tonne wiegen oder auch hin und wieder keine Füße haben. Oft verspürt man den Wunsch, sie gerne kennen zu lernen, auch wenn dies leider im Bereich des Unmöglichen liegt. Die Frage nach dem Schuldigen muss man meist gar nicht mehr stellen, es genügt in den Spiegel zu sehen. Quammen schreibt zu Recht, dass er kein Patentrezept gegen das Artenaussterben hat. Er erkennt nur, was passiert, er beschreibt es und warnt. “Überall auf der Erde führt die Menschheit Krieg gegen andere Arten, gegen die Wildheit der Wildnis, gegen die Blutröte der Zähne und Klauen der Natur. Der Sieg ist der Menschheit sicher. Die einzige offene Frage ist, wie hart die Friedensbedingungen sein werden […]. In dem Maße […], wie das umgebende Land sich verändert, wird Wae Wuul (ein Reservat für Komodo-Warane (Echse) in Indonesien) aufhören, Teil eines zusammenhängenden Ökosystems zu sein, das größer und reichhaltiger ist als es selbst. Das Gebiet wird keine Stichprobe mehr sein; es wird sich in ein Isolat verwandeln.” Wer sagt, dass das Buch uns nichts angehe, dass es fern der Realität sei, dass es nicht interessant sei, darf seine Meinung behalten. Aber: Wer Quammens Warnung ignoriert und später behauptet, er habe nichts gewusst, sollte sich an die eigene Nase fassen und nicht bekräftigen, dass er sich der Folgen nicht im Klaren war.

Leider enthält das Buch hin und wieder kleine Phasen, die sehr zäh wirken. Selbst wenn Quammen uns nur seine weitere Argumentation naheführen und verdeutlichen möchte, ist die Auflistung ausgestorbener Tiere nach zwei Seiten ein wenig anödend. Sonstige zähe Bereiche sind singulär und Die Zeit hat es im Klappentext meiner Meinung nach treffend formuliert: „Gleichgültig, wo man zu lesen beginnt, Der Gesang des Dodo fesselt“. Die Argumentation Quammens wird durch seine Erzählweise unterstützt und aus meiner Sicht kann man diese – auch durch die heutige Aufklärung in diesen Bereichen der Wissenschaft – lückenlos nennen.

Das Buch, anfangs mit einem Thriller von Dan Brown verglichen, hat wirklich diesen Stellenwert. Nicht umsonst wurde es von der New York Times zum besten Sachbuch 1996 gekürt. Lange Sätze und vor allem auch die geschichtliche Seite der Biologie sind vorprogrammiert. Wer damit nichts anfangen kann, sollte auch nicht mit dem Lesen des Buchs beginnen. Ist man jedoch ein Mensch, der sich biologisch interessiert, bei dem die Aussterberate der Artenvielfalt ein Warnsignal auslöst, ein wenig Genetik, Ökologie, Geographie oder Evolution das Interesse weckt, dann ist man mit diesem Buch sehr gut beraten. Wissen, wie man dies für das Studium benötigt, ist nicht vorausgesetzt. Ein wenig Schulwissen bis Klasse 10 ist jedoch hilfreich, um das Buch in seiner wahren Macht und Größe verstehen und genießen zu können. Wenn du dich auf diese Reise einlassen möchtest, dann kann ich nur eines sagen: Tolle et lege! – Nimm und lies!

Bild: Wikimedia Commons, Ustad Mansur

eine Filmrezesion von Lukas

Dieses Mal scheint es, als hätte der Regisseur, der gebürtige Taiwanese Justin Lin, die ganze Schwerkraft ausgeschaltet. Passend dazu das Zitat vom Action-Knaller Garant Dwayne „The Rock“ Johnson: „Ach du Scheiße“.

Nach dem erfolgreichen Raubzug in Teil 5, verlässt die Crew um Domenic „Dom“ Toretto Rio de Janeiro um sich ein für allemal zur Ruhe zu setzen. Auf der ganzen Welt verstreut dürfen sie aber  als gesuchte Verbrecher ausgerechnet das nicht, was sich alle am meisten wünschen: In die Heimat zurückkehren.

Der “Böse” in Teil 6 ist mit Owen Shaw (Luke Evans – Der Hobbit, Die 3 Musketiere) ein ehemaliger SAS-Kommandosoldat. Dieser möchte mit seiner Truppe weitere Komponenten für den Bau einer Superwaffe sammeln, mit der die Kommunikation eines Landes lahmgelegt werden soll. Hierfür fehlt ihnen nach dem Raub in Moskau nur noch ein Teil.

Agent Hobbs vom Diplomatischen Sicherheitsdienst stellt seinen Gegenspieler dar. Diese Rolle hatte er kurioserweise auch schon im vorherigen Teil gegen Dom beim Raubzug in Rio. Wohlwissend das Shaw aber nur durch Torettos Crew aufgehalten werden kann, bittet er sie um Hilfe. Im Gegenzug dafür würden sie durch einen Straferlass alle wieder in ihre Heimat zurückkehren können. Dieses Angebot möchten vor allem O’Connor und Mia annehmen, die ihr Kind gerne in der Heimat aufziehen wollen. Dem Ruf der „Familie“ folgen schlussendlich auch alle Protagonisten aus Teil 5. Beim ersten Antritt gegen Shaw treffen sie allerdings eine alte Bekannte und der Auftrag bekommt persönliche Züge.

Mit geballter Action treten die beiden Parteien gegeneinander an und die Verfolgungsjagden auf den Straßen Londons kommen dabei nicht zu kurz. Für die Auflockerung der Stimmung sorgen die ständigen Sticheleien von „The Rock“ und nicht zu vergessen, die Stimme des Holländers aus Shaws Team (Kein Witz, das ganze Kino hat gelacht). Mit dieser kurzweiligen Unterhaltung knüpft sich der Film gut an den Raubzug in Rio an und übertrifft diesen zumindest was Action und Spaß angeht.

Wer allerdings Tiefgang und Realismus sucht, sollte auf jeden Fall einen anderen Film anschauen. Mit etwa 20 „Ach du Scheiße“- Momenten und dem dauerhaften „Ja ne, is‘ klar“, als etwa plötzlich ein Panzer auf der Brücke auftaucht und Dom einfach alle Gesetze der Physik beim Sprung von diesem außer Kraft setzt, untermalen diesen Eindruck. Auch die circa 100km- Landebahn am Ende des Films, über die sich auf allen Plattformen lustig gemacht wurde, zeigt dies noch einmal. (zu sehen hier)

Vor  allem aber fehlen mir, als großem Fan der Teile 1 und 2, die Straßenrennen und obligatorischen Partys. Ohne den Hintergrund des Undercover Cops O’Connor scheinen die neuen Teile auch die Handlungen der früheren Teile nicht mehr zu erreichen. Die Querverweise auf alte Geschichten wirken sehr erzwungen.

 Wer Action liebt, ist mit diesem Film gut bedient, aber mehr sollte man nicht von ihm erwarten.

Ach ja, und bleibt beim Abspann sitzen. Teil 7 wird folgen, Statham übernimmt die Rolle des Bösewichtes und tötet ausgerechnet meine Lieblingsfigur aus F&F.

Bild: Luciano Meirelles über flickr.com

Vom unbeschäftigten Freiherrn zum Fast-Bundeskanzler: Einfach Haargel in die Haare schmieren und eine Plastikbrille aufsetzen. Schon ist der Baron von und zu Donnersberg für die Politik geeignet.

In der Satire „Der Minister“ geht es um den Baron Franz Ferdinand von und zu Donnersberg, auch „Donni“ genannt, der seine Zukunft in der Politik sieht, was anderes kann er nicht. Schon als Kind lernte der charismatischere Franz Ferdinand (Kai Schumann) seinen schlagfertigen und intelligenten besten Freund Max Drexel (Johann von Bülow) kennen. Die beiden wurden zu einem eingespielten Team: Während Donni von seinem besten Freund die Arbeiten abschrieb, nahm er dafür die ganze Schuld für alle Streiche auf sich, da Franz Ferdinand wegen seinem Titel unantastbar war.  Ein paar Jahre später beschließt der Baron zusammen mit seiner Frau Viktoria in die Politik zu gehen. Doch das Ansehen der Kanzlerin Murkel kann er sich nur mit einem Doktortitel erarbeiten. Mal wieder muss sein Freund Max eine Arbeit für ihn verfassen. So wird er kurze Zeit später  Wirtschaftsminister. Seine erste Dienstreise führt ihn nach New York, dort soll er den Konzern Forpel retten und wird dank des Blitzkuriers zusammen mit seiner Frau zu einem Megastar in der Politik.

Leider ergeht es seinem besten Freund nicht so gut: Das Geld reicht diesem vorne und hinten nicht und nun will ihn auch noch seine Frau mit den Kindern verlassen. Gleichzeitig wendet sich Franz Ferdinand, der inzwischen Verteidigungsminister ist, von ihm ab. Aus  Angst davor, dass jener auch noch Kanzler werden könnt, beschließt er dezent auf die abgeschriebene Doktorarbeit hinzuweisen. Damit folgt der rasche Absturz…

Der Film ist kurzweilig und meiner Meinung nach sehr gut besetzt. Das Highlight des Films sind die teilweise boshaften Bemerkungen, die sich oft gegen Donnersbergs Frau Viktoria richten und natürlich die Kanzlerin Angela Murkel (Katherina Thalbach) , die Kartoffelsuppe kochend am Herd steht und mit seltsamen Angewohnheiten und witzigen Dialogen zusammen mit ihrem Ehemann  die Satire des Films unterstreicht.

Der Film weist des Weiteren viele Parallelen zur Realität auf und begeistert gerade mit seiner Oberflächlichkeit gegenüber der Politik. („Wir brauchen einen neuen Minister!“ „Nehmen sie einfach einen der bei drei noch nicht auf einem Baum sitzt!“)

Auch wenn der Humor des Films manchmal über die Stränge schlägt und man keine Tiefgründigkeit erwarten darf, so ist „Der Minister“ im Gesamten doch sehr gut gelungen und auf jeden Fall wert gesehen zu werden.

Bild von loop_oh über flickr.com

von Lea Frauenknecht

„O Captain my Captain, our fearful trip is done, the ship has weather’d every rack, the prize we sought is won“ (Zu Deutsch: „Oh Käpt’n, mein Käpt’n, unsere Reise ist vollbracht, wir haben jedes Riff umschifft, der Preis ist uns gegönnt“).

Diese vier Zeilen entstammen einem Gedicht des amerikanischen Dichters Walt Whitman, das der ein oder andere Leser wohl schemenhaft aus dem Film „Der Club der toten Dichter“ kennen mag. Whitman schrieb das fünfstrophige Gedicht kurz nachdem er vom Tod Abraham Lincolns erfuhr, auch das wird im „Club der toten Dichter“ erwähnt. Wie die Poesie Whitmans allerdings in diesem Gedicht mit den geschichtlichen Ereignissen seiner Zeit und vor allem mit der Person Lincolns zusammenhängt, konnte erst wirklich herausfinden, wer zuletzt den Spielberg-Film „Lincoln“ sah.

Gleich am Anfang befindet sich eine echte Schlüsselszene für Whitmans Gedicht, in der der jüngst für seine Rolle Oscar-prämierte Daniel Day-Lewis als Lincoln seiner Frau von einem seiner Träume erzählt, deren Deutung sie häufig übernimmt. Er sieht sich darin selbst als Kapitän eines Schiffes, auf dem er als einziger an Deck steht, Ausschau hält und irgendwann sogar glaubt, ein Ufer zu erkennen. Auf diesem Traum baut die gesamte Symbolik in Whitmans Gedicht auf, und das Ufer wird im Film wie auch im Gedicht als Lincolns größtes Ziel dargestellt: Die Sklaverei in den Südstaaten seines Landes zu beenden, die auch der Grund sind, weshalb in jener Zeit der Sezessionskrieg in Amerika wütete, der unglaublich vielen „Yankees“ aus den Nordstaaten und noch viel mehr Kämpfern aus den Südstaaten das Leben kostete, da Letztere den Nordstaatlern zahlen- und waffenmäßig entscheidend unterlegen waren. Der Krieg brach aus, nachdem sich einige Südstaaten, die später die sogenannte „Southern Confederacy“ bilden sollten, sich geweigert hatten, die Sklaverei abzuschaffen, da dies für sie automatisch weniger Ertrag auf ihren Baumwollplantagen und einen Wirtschaftseinbruch bedeutet hätte.

Um den Krieg zu beenden und gleichzeitig die Sklaverei zu verbieten, bleibt Lincoln nur eine Möglichkeit: Das dreizehnte „amendment“, einen Verfassungszusatz, der die Sklaverei offiziell abschaffen würde, im Repräsentantenhaus zur Abstimmung zu bringen und durchzusetzen. Dieser Antrag war allerdings schon ein Mal an der benötigten zwei Drittel-Mehrheit gescheitert, hauptsächlich an den fast durchgängig mit Nein stimmenden Demokraten, die sich zwar ein Ende des Krieges wünschten, vor einer Gleichberechtigung der „Neger“ allerdings zurückschreckten. Vor der zweiten Abstimmung greift Lincoln nun also zu etwas unlauteren Mitteln, da er sonst keinen Ausweg aus der Ungerechtigkeit und der Spaltung der amerikanischen Staaten sieht: Er lässt demokratische Abgeordnete bestechen, indem er sie mit Beförderungen lockte, sollten sie den Verfassungszusatz gegen die Sklaverei befürworten. Auch familiär geht Lincoln in dieser Zeit durch ein Jammertal – sein studierender Sohn widersetzt sich seinen Anweisungen und tritt aus Ehrgefühl der Armee bei, seine psychisch labile Frau trauert immer noch um den vor Jahren verstorbenen Sohn und belädt sich in dieser Hinsicht mit Schuldgefühlen. Am Tag der Abstimmung geschieht schließlich das scheinbar Unmögliche, das Verbot der Sklaverei erreicht eine knappe zwei Drittel-Mehrheit.

„Our fearful trip is done, the ship has weather’d every rack, the prize we sought is won“ – Whitman blickt in diesem Moment auf den beschwerlichen Weg Lincolns zum dreizehnten „amendment“ zurück, während „Captain“ Lincoln nun das sichere Ufer, die Gleichberechtigung, das Kriegsende und die Wiedereingliederung der Südstaaten ansteuern kann. „The port is near, the bells I hear, the people all exulting“ (Zu Deutsch: „Der Hafen nah, die Glocken läuten, die jubelnde Menge“) beschreibt die Beliebtheit, die Lincoln im Volk hat, im Film wird er gar als „Halbgott“ beschrieben. Seine Politik ist mehr als bürgernah, im Film kümmert er sich um die kleinen Probleme einfacher Bürger, die zu ihm kommen und fährt zu den Kriegsschauplätzen, um die Soldaten in ihrem Kämpfen gegen die Sklaverei zu bestärken. Und nach der Durchsetzung des dreizehnten Verfassungszusatzes sieht man im Film Paraden von Bürgern durch die Straßen Washingtons ziehen, die inbrünstig den „battle cry of freedom“, den Lincoln einst als Wahlkampfschlager benutzte, singen.

Doch nur wenige Tage später wird das erst errungene Glück entscheidend getrübt: „But o heart! Heart! Heart! O the bleeding drops of red, where on the deck my Captain lies, fallen cold and dead.“ (Zu Deutsch: „O Herz! Herz! Herz! O blutig rote Tropfen, wo an Deck mein Käpt’n liegt, gefallen, kalt und tot.“) Bei einem Opernbesuch fällt Lincoln einer Verschwörung zu Opfer – ein radikaler Südstaatler schießt auf ihn, der Präsident stirbt. Allein über diese Verschwörung von Südstaatlern wurde 2010 ein ganzer Film gedreht, „Die Lincoln Verschwörung“. Lincolns Tod jedoch tut der Begeisterung für die Freiheit und den Frieden und vor allem der Anbetung Lincolns als Helden keineswegs Abbruch, nein, er befördert sie sogar und so beschreibt es auch Whitman: „Rise up – for you the flag is flung- for you the bugle trills, for you bouquets and ribbon’d wreaths, for you the shores a-crowding, for you they call, the swaying mass, their eager faces turning.“ (Zu Deutsch: „Steh auf – für dich gehisste Flaggen – für dich das Horn geblasen, für dich die Blumen und die bunten Kränze, für dich die Menschen an den Küsten, dich rufen sie, die wiegenden Massen, die Gesichter eifrig drehend“).

Doch auch, wenn Lincoln all das erreicht hat, was er wollte, und der Sklaverei zuerst in Amerika Abbruch tat und damit auch ein deutliches Zeichen für den Rest der Welt gab, wie Whitman in „The ship is anchor’d safe and sound, its voyage closed and done“ (Zu Deutsch: „Das Schiff, verankert sicher, heil, die Fahrt ist aus, vorbei“) beschreibt, so klingt in seinem Gedicht am Ende doch noch etwas anderes durch: Anstatt nur den Jubel der Bevölkerung beschreibt Whitman auch den Verlust einer großen Persönlichkeit und lässt seinen poetischen Nachruf eher mit Klage enden als mit Freudengeschrei: „But I, with mournful tread, walk the deck my Captain lies, fallen cold and dead“ (Zu Deutsch: „Doch ich, im Trauerschritt, lauf ab das Deck auf dem mein Käpt’n liegt, gefallen, kalt und tot“).

Bildquelle: By David Bjorgen (Own work), (CC-BY-2.5(http://creativecommons.org/licenses/by-sa/2.5/deed.en)), via Wikimedia Commons

von Leonie Töpert

„Räum hier mal auf!“, diesen ungeliebten Satz bekommt man von den Mentoren am LGH leider oft zu hören,  aber dass das Aufräumen auch als Kunst durchgehen kann, davon hört man selten etwas.

Ursus Wehrli heißt der Erfinder des „Kunst Aufräumens“, er ordnet die Pommes aus einer ganz normalen Portion Pommes der Größe nach oder eine Buchstabensuppe nach dem Alphabet – eine sehr mühsame Arbeit. Er hat sogar eine Fußballmannschaft geordnet und van Goghs Kunstwerk „Das Schlafzimmer“ renoviert. Auch aus einem Tannenzweig hat er ein Kunstwerk erschaffen.

Aber wie kommt man auf so eine Idee? Sachen aufzuräumen, die es ,wie die Nudelsuppe, gar nicht nötig haben? Ist Ursus Wehrli etwa so begeistert von Ordnung, dass er den Drang hat, sogar sein Essen zu sortieren?

Die Antwort lautet Nein. Anscheinend ist er auf die Idee der Aufräum-Kunst während einer seiner Tourneen gekommen: Er war so fasziniert von dem Gedanken, dass das Hotelpersonal Hotelzimmer aufräumt, obwohl es ja gar nicht wissen kann, wo was hingehört. Also fing er an, kleine Sachen des Alltags nach Kriterien wie Farbe oder Größe zu ordnen, da kann man ja nichts falsch machen.

Er hat auch schon zwei Bücher zu diesem Thema verfasst: „Kunst aufräumen“ und „Noch mehr Kunst aufräumen“ (beide erschienen bei Kein&Aber), in denen er bekannte Bilder durch Aufräumen so verfremdet, dass man sie fast nicht wiedererkennt.

Bis jetzt hat er aber noch nicht all seine Aufräum-Ziele erfüllt: Er würde noch gerne ein Aquarium mit Fischen aufräumen und einen Ameisenhaufen ordnen, aber ob das mit so vielen eigenwilligen Lebewesen  klappen wird…

Man sieht: Aufräumen kann nicht nur nervig sein, sondern auch als Kunst gelten, aber ob man alles in seinem Zimmer nach Farbe und Größe ordnen will, sollte man sich gut überlegen. Auch wenn es schön ist, werden wir nach einem Sinn suchen. Werden wir ihn finden?

Bildquelle: By Tullius (Own work) (CC-BY-SA-3.0-migrated (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0)), via Wikimedia Commons. 

Quellen:  Der Spiegel, „Kunst Aufräumen“ von Ursus Wehrli

Timur Vermes Spiegel Besteller „Er ist wieder da“ handelt von Adolf Hitler, der 2011 in Berlin wiederaufersteht und alsbald erneut zum Star der Massen wird.

Sommer 2011 – Adolf Hitler erwacht auf einem leeren Grundstück inmitten Berlins, seine letzte Erinnerung ist der Führerbunker im Jahre 1945. Trotz entsprechender Verwirrung ist er der Meinung, dass das Schicksal ihm die Aufgabe hat zukommen lassen, wieder das deutsche Reich zum Endsieg zu führen – oder zumindest diesmal. Er wird alsbald von Angestellten einer großen Produktionsfirma „entdeckt“ und schnell ein fester Bestandteil einer Comedyshow, in der er zur Hauptattraktion aufsteigt. Da sein Umfeld alles, was er aus voller Überzeugung sagt und tut, als Satire auffasst, wird er ohne Probleme bald zum Kulturgut erhoben und zum Kämpfer gegen all das, was er eigentlich vertritt, stilisiert. Er bekommt seine eigene Sendung und den Grimme-Preis. Nachdem er von Neonazis, die meinen, dass er die deutsche Sache in den Dreck zieht, brutal zusammengeschlagen wurde, kann er sich vor Mitgliedschaftsanfragen der großen Parteien kaum retten, da er zum Symbol der jeweiligen Bewegung geworden sei. Der Schluss lässt eine Fortsetzung vermuten, in der Hitler von seinen Comedieauftritten wegkommen will um aktiver in die Politik einzutreten.

Auf seinem Weg wird Hitler mit vielen Neuerungen der heutigen Zeit konfrontiert und setzt sie meist in Bezug zu seinem eigenem politischen und moralischen Weltbild. Daraus ergeben sich dann meist sehr amüsante und zynische Gedankengänge, die teilweise aber etwas zu lang geraten sind. So ist Hitler anfangs der Meinung, dass es so viele Türken in Deutschland gibt, da der Türke im letzten Moment in Berlin eingriff, den Russen vertrieb und Deutschland verteidigte, oder dass die CSU nur ein jämmerlicher betrunkener Abklatsch der NSDAP von damals sei. Teilweise enthalten diese Gedankengänge aber auch etwas Wahrheit, was dem Leser immer wieder schmerzlich bewusst wird.

Der andere, weitaus flachere, Teil des Humors begründet sich darauf, dass Hitler mit der heutigen Zeit nicht richtig zurechtkommt, à la Hitler kann kein Smartphone bedienen oder, dass er sich genauso verhält wie damals und Klischees aufgearbeitet werden à la Hitler hat Wagners „Walkürenritt“ als Klingelton oder Hitler grüßt immer noch jeden mit dem deutschen Gruß.

Sehr viel mehr als diesen teils sehr zynischen, teils etwas flacheren Humor hat das Buch allerdings nicht aufzuweisen.

Mir ist es jedenfalls nicht wirklich gelungen, die von vielen Rezensenten angeführte „Kritik an der Erfolgsgeilheit und Quotenfixiertheit der Medien“ zu erkennen. Ich denke, dass der Hitler, als der er im Roman von anderen wahrgenommen wird, nämlich als Satire auf höchstem Niveau, als jemand, der seinen Finger immer in die Wunde legt, wirklich als Kulturgut gehandelt werden könnte und eben nicht nur ein Produkt der Medienindustrie wäre.

Den zweiten, auch oft angeführten Punkt, nämlich, dass Deutschland immer noch sehr leicht einem solchen Demagogen verfallen könnte und dass dieses Buch es zeige, kann ich auch nicht nachvollziehen. Der Hitler in diesem Buch kommt nur so schnell so weit, da er aussieht wie Hitler, redet wie Hitler und sich so verhält wie Hitler, was alle furchtbar lustig finden. Wenn das nicht so gewesen wäre, hätte dieser Roman wohl einen anderen Verlauf. Ich denke, das Gedankenexperiment um Hitlers Wiederauferstehung wäre –bei dieser Problematik – interessanter, wenn er im Körper eines vollkommen harmlosen Bürgers zurückkehren würde und keine Uniform trüge.

Ich möchte diesem Buch aber auf keinen Fall seinen Unterhaltungswert absprechen, welcher auf jeden Fall beachtlich ist. Ich möchte nur die von vielen erklärte politische Tiefgründigkeit anzweifeln.

Ähnliches gilt auch für meine Empfehlung: Ich kann dem, der auf der Suche nach einer etwas tiefgründigeren Auseinandersetzung mit dem Thema „Demagogie heute“ ist, das Buch nur bedingt empfehlen, da die Aspekte mehr angesprochen, als zu Ende gedacht sind. Wer allerdings nur einen sehr unterhaltsamen, zynischen Roman sucht, ist hier bestens bedient.

Timur Vermes

Er ist wieder da

Eichborn-Verlag

396 Seiten

ISBN 978-3-8479-0517-2

Bildquelle: von Rama (Eigenes Werk) [CC-BY-SA-2.0-fr (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/2.0/fr/deed.en)], via Wikimedia Commons